那些身为女性的小小日常，都被她们捕捉到了

由于生理结构的特殊性，女性往往面临着更多的矛盾和困扰。如何才能去了解身为女人才会有的特殊感受？我们试图从一些女性艺术家的作品中寻找到不同的感知。这些用俏皮或严肃地表达女性想法的作品，虽然讲述的是关于特定性别的体验，但其中的视角却是性别之外的。

Alina于1926年出生在波兰的一个犹太家庭，少年时期就遭遇二战的她，曾经辗转于多个纳粹集中营。战后，幸存的Alina选择了去巴黎美院学习雕塑，此后，她一生的艺术实践也都与人体有关。“我坚信，在所有短暂的表现形式中，人体是最脆弱的，也是所有欢乐，苦难和真理聚集的地方。”

Alina早期的雕塑作品大多是以青铜，石头等材料制成的古典主义雕塑，作品主体完整。但从1962年起，她开始使用全新的材料来制作那些个别的、零散的、某部分的身体雕塑。这一系列实践一直持续到1973年艺术家因病去世，这也是Alina创作生涯中最惹人注目的十年。

1968年，这位历经磨难的艺术家又被确诊为乳腺癌，她便用树脂、纱布、照片、旧报纸等材料，创作了作品“肿瘤（Tumors）。”这件作品由15个大小不同的不规则“肿瘤”组成，每个肿瘤还呈现着明显的女性面部特征，并不像她以往的作品那样颜色鲜艳，而是各自面容枯槁地散落在地，仿佛诉说着身为女性和癌症患者的双重感受。

Alina去世之后，作品在波兰国内引起很大的反响，但就像许多同时代的女艺术家一样，她的创作长期被巴黎艺术界的显要们因“不符合我们的品味”而拒斥。近几年才被国际艺术界重新发现，接连被世界各大博物馆展出。即使已经过去多年，这些作品依旧能让观者产生耳目一新的感觉。

谈起法裔美籍艺术家Louise Bourgeois，我们大多想到的是她那分布在世界各大美术馆中的巨型蜘蛛，它们象征着Louise的母亲，代表的是勤劳、保护、一丝不苟。但在她另一些用红色线条构成的水粉画中，我们看到的则是血腥、暴力、痛苦，以及愤怒——它们其实更多源自于为艺术家带来痛苦回忆的童年和父亲。

在Louise看来，红色是鲜血的颜色，是痛苦的颜色，也是她最常使用的颜色，“你对红色的热衷的程度与你内心抑郁的程度相等。“而Louise用这些红色线条创作出来的作品，也大多与女性的怀孕和生殖过程有关，比如呈现怀孕女性的“家庭（THE FAMILY）”，表现女性被脐带缠绕的“无限（To Infinity）”系列，以及和另一位著名女艺术家Tracey Emin合作的、隐喻女性对流产的恐惧的“不要抛弃我（Do Not Abandon Me）”，等等。

Louise反复以孕育为主题创作，一方面可以归因于她在痛苦的现实中寻求滋养和保护的渴望，另一方面，则是因为Louise在童年遭遇的痛苦，给她留下的阴影始终没有散去。即使多年以后，Louise已经和相爱的丈夫并生下两个儿子，她依然表示，自己对做好一个母亲感到无能为力，“我既是妻子，又是母亲，我害怕我的家，害怕达不到标准。”父母，自己，以及孩子们，已经成为她生命中三个被永远粘合在一起了的创作参照系。

直到现在，当我们谈论有关女性身体或两性相关的话题时，或许仍旧会感到一些尴尬和羞怯，但现居美国的插画师Claudia Chanhoi的作品，却让我们能以一种轻松而容易理解的方式，更开放地讨论这些本就存在且合理的事物。

Claudia出生于香港的一个天主教家庭，小时候接受的相当保守的性教育，也让她在长大后开始反思女性所面对社会角色以及性别不平等的问题。“对我而言，女性从来没有真正拥有过自己身体的最终控制权和所有权。”

2014年，Claudia于伦敦传媒学院毕业后进入一家设计公司。工作后的Claudia感到自己的创造力受限，于是在2016年，重启了自己在大学的期末项目“女性的性客观化”，由此产生了她如今的一系列创作。

Claudia作品中最常表现的方式，是将女性的乳房、臀部等部位以食物的形式大量地呈现在各样餐桌上，看起来有点幽默轻松，还带点儿调侃和讽刺。这个习惯源于她对现代社交中快餐式爱情的思考，“社交网络扩大了我们的约会范围，同时也缩短了我们的耐心，一旦我们发现那个人身上有瑕疵，我们就会马上抛弃他，重新在约会池中寻找下一个对象，这已经成为了一种模式。”

 不画画的时候，Claudia喜欢体验不同的餐厅，尝试不同的菜肴并了解其背后的概念以寻找灵感。谈及未来梦想的项目，Claudia则表示自己想在现实中设计一家概念餐厅，与厨师合作，呈现她想表达的食物，让自己作品中的超现实景象变为现实。

2016年，住在伦敦的女画家Caroline Walker注意到了自己工作室附近美甲店，她开始将目光聚集到那些在美甲店工作的女性身上，并为她们创作了一系列以观察者视角表现的油画作品，这也成了Caroline今后长期创作的一个开头。 

2017年，受慈善机构的邀请，Caroline为在伦敦寻求庇护的女性难民创作了系列作品。她也由此了解到那些在城市中“被隐形”和“被忽视的”、特别是那些从事服务业的女性的生活。Caroline的作品往往将不同肤色，年龄，社会阶层的女性并置于同一画面内，以此来探讨影响了不同女性生活的社会、文化、经济、政治等方面的因素。

Caroline与她笔下那些劳作中的女性，仿佛存在着一道透明玻璃般的隔阂，总是带有些窥视感。她在创作时会有意地将现实的场景以更松散、抽象的笔触呈现，并适当的改变原有的颜色，则让她的画作看起来整体呈现了一种比现实更加特别的氛围，宁静，柔和，画中的女人们仿佛身处在一个遥远的世外之地。

Caroline曾经说，其实从她很小的时候就开始了对女性生活的刻画观察，“家中的橱柜是我的第一个工作室，在那里我花了无数个小时，画了无穷无尽的女人图像。”而这些对女性的观察，艺术家表示灵感可能源于她作为家庭主妇的母亲。2019年，Caroline也以她的母亲为主题，将母亲做家务时的样子画了出来，并将这个系列以母亲的名字“Janet”整理出版。直到现在，Caroline对那些被忽略了的女性的描绘，也依旧没有停止。

1981年，年仅23岁的美国女摄影师Francesca woodman跳楼自杀，人们在她的遗物中，发现了她为这个世界留下了10000多幅摄影底片。这些底片以众多女性的裸体为主，很多照片的主人公正是Francesca本人。

谈及Francesca，身边人对她的印象是“一个很容易紧绷的人”，这种紧绷感也同样在她的作品中显露了出来。比如，照片中的人物经常呈躲闪或怀疑状态的人物眼神，模特身边不时出现蛇，乌龟，动物面具等让人不安的事物，又或是经常由于人物运动或长曝光而造成的图像模糊。

Francesca于1958年出生于丹佛的一个艺术家庭，她的父亲、母亲和哥哥都从事艺术相关行业。Francesca从小就被教育“艺术是一件严肃的、需要用一生去追逐的事情“，成年后的她同样对艺术勤奋且执着。

但现实或许并不能满足每个人的期望，作品被接连拒绝后，Francesca陷入了深深的自我怀疑，在1980年自杀未遂，失落的她将自己的生活比作“一堆不值得存在的咖啡渣”。令人唏嘘的是，去世之后，她的作品反而得到了大规模的报道，生前的故事也拍成了专题纪录片《The Woodmans》——一位年轻艺术家在身后所引起的迷恋和好奇，正源于她本人并不顺遂的生活经历，这不能不说是一种巨大的讽刺和遗憾。

对于女性来说，隐私部位的毛发、身体的肥胖、不匀称的面部形象，都是令人纠结的烦恼。但来自英格兰的画家Rosi Tooth却并不在意它们，而是用卡通的手法将这些“缺陷”大方的展露出来。

Rosi 的日常作品围绕着一位普普通通、拥有身体困扰的女孩展开。在她的画笔下，女孩原本浓密的体毛被画成了花丛和森林。在与阴道博物馆合作的系列作品中，她更是大胆地绘制了一幅“镜中的女性阴部”的画作，镜子上写的是“看起来很棒”，画中人的回应则是“我知道。”

Rosi 笔下的女孩在生活中也有着和我们一样普通的情绪，时而精力充沛，工作、阅读、运动，时而精神涣散，想在沙发上躺个一整天。画中那位总是带着快乐笑容的女孩，还被艺术家制作成了一系列讨喜的陶瓷作品，似乎是在告诉我们（尤其是女孩们）：没有人生来完美，但并不代表你不能快乐。