评分断崖式下降，三个蜘蛛侠谁来背锅？

就是一个故事文本上毫无新意的夺宝奇兵。不过这种爆米花电影爽到就够了，能提供一个印象深刻的名场面奇观就够本，而本片给了俩。

在夺宝冒险题材的叙事已然步入僵化的死胡同的情况下，发挥动作奇观场面的想象力成为致胜关键，一种成龙电影，更确切的说，是以香港电影为代表的动作类型趣味在好莱坞主流的又一次回潮，“高空逃出”与“飞船空战”两场重头戏十分癫狂过火。

探险叙事都是开挂无脑驱动，阻碍因素是外部抵抗力量，缺少卡关和解谜的细节。奇观场面能看，飞机和古船空中大战有动作娱乐想象力，扣紧了主题，也强化了人物塑造，但挽救不了全片粗糙过时的纹理质地。两位女性角色都有很强的masculinity意味，还都有反派负面色彩，荷兰弟和马克CP最终确立的方式是一人干掉她们中的一个，这符合好莱坞的政治正确吗？

日常的琐碎，并没有交织形成暗涌的戏剧张力。相比日本导演的生活流电影，这部的气质显得过于平顺了。就像写散文写得“形散神也散”，虽然看着还算舒服，但实际上是不功不过的温汤水，也没什么想象力。不过，放在国内院线的环境下，拍摄的完成度挺高，演员群戏也很值得一说，比绝大多数国产片都要清爽去油。大家演得都克制、寡淡，较为真实。

聚焦都市中的单身女性群体，试图呈现为何在当下，单身会成为一种普遍的状态或选择。优点在于有效地传达了群体的“第一人称声音”，剪辑对素材的使用颇具巧思，选取的5位拍摄者顾全了样本的差异化，她们拥有不同的教育背景、家庭环境、职业现状、情感经历。在记录普通人生活的过程中，捕捉到了社会话题所携带的辛焦灼、苦恼之外，那难得的幽默感。这种幽默感也让本片拥有了丰富的情绪色彩，让被拍摄对象呈现得更为立体。群体声音值得郑重传达，从而被他人听到，因为在大部分生活场景中，这种传达只会落入情绪性的争吵。不过，整部片子的遗憾在于，对“爱”与“婚”之间差异性的讨论不够深入，太过顺拐地呈现了两者之间的递进关系。

好处显而易见，对越剧尤其是梁祝故事的多层次使用以及比较大胆的性别-性向议题，以及视听上都挺讲究（声音设计也挺细腻的）。问题也很明显，在一个隐晦的蕾丝故事与二女争夫之间反复横跳；在追求极致的越剧艺术与大时代的矛盾，和各种现实生活的苟且和狗血之间反复横跳；导演心里想的可能是[霸王别姬]，又出于各种考量只能往安稳的地方走。时代感一旦涉及到大一点的外景就露怯（以银心在公交车上流泪一场为最，干脆删了算了……）。工老师既然能说出“越剧女小生就是第三性”这么学术的话，这个人物写成个纸片工具人不就太可惜了么。

制作成色和完成度都很高，但剧作上为主人公设置的叙事阻碍实在是太过于俗套。令人另眼相看的倒是孟美岐的表演，可圈可点，一方面固然是个人气质与这个角色高度贴合；另一方面，也展示了当下市场上难得一见女侠式女主的潜能。片子里有一个场景值得一书，夏雨饰演教练问，为什么外国选手在奥运会都那么开心，而中国运动员却苦大仇深的？我想，苏翊鸣和谷爱凌已经回答了这个问题。相比于举国体制，以金牌改变人生命运的杨扬一代。今天，00后一代已经可以享受比赛，单枪匹马挑战自我，以自己之名。

超越了“复联4”，早已不再是数据库式的回忆和告别，将超级英雄返还给生活，找回了漫画属性——幻想的自由和世界的无限，前两任的回归并非简单的对过去痛苦与遗憾的疗伤和圆满，三个年龄段层，三代人的记忆集合，观众在电影中看到了曾经的自己，我们是否也在此刻与岁月和生活和解并相互释怀，“章鱼博士”的那句感叹“你长大了，还好吗”，也是对银幕外的人们说的，当斯塔克以被所有人铭记的方式成为传说，彼得却以被所有人遗忘的结局扛起了“能力越大责任越大”的孤独，完成了英雄的毕业礼，于芸芸众生中默默守护，片尾的重启和蜕变实际才是“蜘蛛侠”真正的诞生，伴随着霍兰德这一代的观众继续成长，马奎尔的回归最打动我，反派的刻画也主要集中在他宇宙中的三位，拯救超英电影的功臣山姆·雷米令人怀念，而我们也终将在片尾的《奇异博士2》中再会。

如果在《复联4》那时候说漫威是游乐园电影还有点过激，那这一部就完全属于对号入座了。可以理解为什么能在全球受到追捧，卖的就是文化符号、IP和情怀。但这真的不是一部电影了啊，虽然没人在意。

攒了一个巨大的盘子，拍了一个变扭的剧本。「三虫同框」的奇观遮掩了世界观和人物逻辑的羸弱。

吹了半天的三蛛同框，没想到原来是闹剧一般敷衍。糊弄的剧情，不在线的智商，强行硬凑的大战。荷兰弟《蜘蛛侠》系列拍到了三部，每一部都已成长为主题，可每一次一到下一部的开始蜘蛛侠又变回了小孩子的一般冲动和固执。成长是让男孩变成男人，而不是让不在线的智商回归正常，单从这一点来说，这版蜘蛛侠从未成长。他习惯了原地踏步，就和现在整个漫威宇宙一样。

复联模式是尽可能的探索IP的宽度，而三代蜘蛛侠同框的尝试是在探索同一IP的深度。从2002年托比·马奎尔版蜘蛛侠至今已过去了20年，漫威不再从漫画中吸取灵感，反而以一种电影史的视角审视IP。本有成为伟大电影的潜质，奈何漫威只在其中看见了情怀，倒也在各种情怀梗中忆起童年，但除此之外真的啥都没有。故事讲得稀烂，剪辑混乱至极，实在不是个年度票房冠军该有的样子。另外，几大反派站成一排后才会发现，威廉·达福所演绎的绿魔对比其他简直是碾压级别的存在，是个不输DC小丑的狠角。

漫威电影好像都不能理解“能力”问题，而是单纯将“能力”变现为一种不管有无侵害他人自由的积极自由——只关注自身成长、功勋、里程碑的打卡式超级英雄历程。因此前有《永恒族》重构战争历史，依仗强武力管制人类，后有蜘蛛侠戒治历代反派，将疯狂和邪恶彻底收管变为“可爱又迷人的反派角色”，它们逻辑中同构并行着超英与美国创作者“能力”急剧膨胀后企图饰演“世界警察”“拨乱反正”的野心与另一种“恶”，所以结果当然是“能力越大，评分越down”。

强设定没有更多解释和延展有些失望，但不妨碍整体是一部画风简单故事好看指向明确的动画片，另外感觉是最近这几年的亚裔/华裔主题电影里，最能让国内观众接受的一部了吧。

挺惊喜的，可能是《soul》之后美国最好的动画长片。全程落的点都汇集为“女性身份的建构与成长”这条主线，但点题并不粗暴，而是用春心萌动的点子处理地较为娱乐化。以类似狼人的“变形”与“剥除变形仪式”，借喻中华的宗族传统对女子的规戒与框定。影片后段，女孩两次选择“不剥除”，是挺有勇气的剧情发展模式，也弥补了前半程不够的创意和亮点——如果照常理发展，反是现实的俗套了。

换汤不换药的青春成长故事，传统父权玩腻了换成母系氏族，照着大熊猫的模样画小熊猫。对华语文化的理解永远地停留在了某个时期，或者说其实是唐人街文化，或者甚至谈不上是文化，仅仅是符号堆砌，毫无深度可言，这一点上离《雄狮少年》都还差很多。

夹在美国和大陆中间的台湾。白马处想起《鱼缸》但运镜完全不同。一个无法好好沟通说话的家庭其实很常见，不能称之为用力过猛，但能达到这样频繁歇斯底里式日常交流的亲人之间大概率是不可能再拥有结尾处掏耳朵的场景的，他们拥有的是曾经相亲相爱的回忆，并且绝对与当下是割裂的。这个结尾设置暴露出剧本的落入俗套，大大地减一分。

有很多不成熟，泛泛而谈没有伸展开手脚的地方，但在靠近-远离，争吵-缓和，要崩不崩，要解不解的内部结构里反复纠缠出了亲人关系状态里的“临界”风景。

和《瀑布》/《爸妈不在家》“世纪大撞车”，但各方面又都不如一点点。

整个片感觉节奏都有问题，一些社会指向的段落出现并消失地极其突兀。因此只剩下小段落的抒情而丢失了绵延的情感。

《克拉拉与太阳》的变奏版，由视听建制所经营起的叙事节奏流丽而晓畅，大提琴版《盛夏的果实》钩沉起了文本之下涌动的情绪，引人遐想。中国元素的使用虽然略显浮于表面却不生硬，以树枝嫁接喻指亚裔身份认同堪为妙笔，整体而言可值一观。

一种缓慢隽永的风格，部分疗愈了身份政治的直白，也部分填塞了东方哲学的空洞挪用。另外，本片无疑为在当下国内环境中制作一种观众向的低成本（软科幻）文艺片提供了不少思路，于我这也是加分项。

这个剧本简而言之就是：无视历史语境极其偷懒的“普世”中产家庭危机+急于卖弄的“东方哲学”科幻，两者的究极缝合——整个内核简直太白了，和海报形成鲜明反差...

第二季中在老师家聚会上的讨论得以在第三季进行全面的拓展。第三季无疑是整个剧集中最具史诗感的一季，它印证了我先前的预感：理解双女主需要仔细观察她们的祖辈血脉以及所处的社会浪潮-20世纪60年代末的热秋运动、工人主义女权运动、新法西斯崛起以及极左恐怖主义。费兰特对于意识形态过于直白表现的拒绝不等于全盘的否定，以暗流形态存在于作品中的社会政治与文化是推动女主人生的关键浪潮，反之亦然。

对原版音乐剧乃至上一版电影都谈不上有多大的好感，个人心目中最佳的《西区故事》或者说“罗密欧与朱丽叶”的现代演绎还得属费拉拉的《中国女孩》，而在现如今这一版的正反打镜头中甚至还出现了穿帮，但即便如此还是为斯皮尔伯格的执念所打动，到了这个位置与年龄，任何一个在创作上依然保持善良与纯真的童心的导演，都难免开始回想自己的年轻时代，对斯皮尔伯格来说，对过往的怀念不仅仅是《西区故事》，还有《无因的反叛》、詹姆斯·迪恩与马龙·白兰度等等，于是观众并非只是看到了一部翻新的老作品，更是看到了其中属于一代人记忆深处的美好，他们将曾经的梦在当下还原，分享自己的喜悦外也再次播撒下启蒙的种子，而我们发现明年斯皮尔伯格的新作叫做《造梦之家》，讲述的是他的童年。舞会斗舞、废屋夺枪、仓库对决三场戏最为惊艳，女主表演太差了。

属于放在颁奖季横向比较挺碾压（毕竟斯导的水准和隔壁肯导、鸡娃体育片之流隔了好几层壁），但和老版比就，也有壁... 除了ZZ更ZQ、价值观更21世纪的优点以外，全方位的倒退和塑料感，六十年代好莱坞的那种磅礴的气势和拉到满的风韵都已经荡然无存了。

可以将之视作斯皮尔伯格关于场面调度的一次示范演出，连穿街走巷都有如跑酷一般，动感十足。它不是固定镜头里的载歌载舞，而是呈现出影像流动的速率，极之晓畅。不过歌舞片的本性是不拘形式，自由奔放，斯皮尔伯格的调度尽管颇具水准，却也无形中剥离了歌舞的欢快跳脱，使之为其导筒的魔力所摄，变作一种驯顺的表达。与之相类的则是演员的表演，男女主都非常刻意地调度自己的肢体表达，但男主宛如在跳大象芭蕾，而被衬得仿若小鸟依人型的女主在努力传情达意时，倒更趋近于“愤怒的小鸟”。

连看3遍，拉皮德YYDS！拉皮德对摄影机的理解肯定是到了阿巴斯这个层级，这部已经都不仅是“解放了的摄影机”了，甚至可以说是“发疯了的摄影机”，通过对视听语言的探索把导演个人生活、记忆与历史，真实与虚构、元电影、对政治审查和国族的焦虑、对以色列国民性及政治的反思等等融汇一炉。“阿赫德的膝盖”不仅是一个提喻，而且是一面镜子，一个被呈现的“界面”。影片可以看做是《同义词》的回声，连起来看会更加丰富。拉皮德是诗人，拍得却是政治哲学式的电影。

《阿赫德的膝盖》延续了《同义词》中的“目光”，它的游弋是如此自由，缝合了主客观、各种人称，引发观者的错乱。这部电影制造的“目光”正在搅动观者的目光！好像我们的眼睛在观看中变成了漩涡……且较之上一部，它发展（或者说漫延）的更纯熟了。特别喜欢氰化物那一段，旋转的镜语亦在此“搅拌”，那电影的身体性（颗粒），融化在动物般的呓语（液体）中，滴入观者的双眼。太美了。

一则狂野与脆弱并存、终将失败的战斗日记，拉皮德缝合了个人-电影-国家的困境，试图在动态中破坏和撕裂现实、回忆、体制、媒介的条框，语言依旧作为抗争的手段，身体却不被剥削，取而代之是思想被奴役的恐惧，艺术家和官僚的欲态尺度把握的恰到好处。

那些肆无忌惮，彻底又自由的影像，真的唤起了某种戈达尔式观影经验，你永远不会知道下一刻会发生什么。

装腔作势，黔驴技穷，无节制无限度的大肆暴露自我真的是非常躁狂患者，且表面的放纵下，看似自由，实则高强度的绑架和禁锢了所有的技法与想法，拉皮德并未解放视听，而是压迫了视听，一种创作环境与心境上愈加接近妄想后的病态反弹，一部畸形的、崩溃的、窒息的悲剧，在失去了本来的焦点而转变为个体献祭般的自杀式剖析后，反而又意外告诉了我们现实的可怖可叹——除了影像中的荒漠，真正的敌人究竟在何处，然而指责这一切的权利在此被扭曲和剥夺，谁又会为谁去同情或共愤。

好看！我梦回《私恋失调》！特别喜欢议员+议员男友+女主三人对话的调度：1.后景的议员起身招呼女主，移焦至前景的男友，他的笑容僵住；2.位于画面右侧的男友脸色难看，左侧的议员只有手入画，焦点从男友移至在中间入座的女主镜像3.议员胸上；4.回到2的构图，侍者入画，焦点从女主移到男友，男友被侍者、侍者与女主的镜像层层包围，他的脸色愈发阴沉。侍者一走男友就开始向议员发难，但焦点反而移回女主镜像。随着两名男性争吵的升级，摄影机逐渐推近。我特别喜欢4的拍法，议员无疑是所有矛盾的始作俑者，但这个镜头却偏偏排除了议员（因为他是这个场景里最“没有心”的人，他玩弄利用所有人而毫不愧疚），而是将重点放在女主发现真相时的心理变化以及她与议员男友之间的情感共鸣。非常效率的一镜，也为结尾女主的选择埋下合情合理的伏笔。 

如果青春片可以是素面朝天的，如果青春可以不矫饰…

成年的自己爱上未成年的自己。卡车没油了，只好仰赖后视镜倒车全程屏气凝神。不断想驶出小镇的Alana，却终要归顺重力倒回Gary的身旁。毫无他选的时代宿命。就像我们经历了这个，经历了那个，却毫无意外地怀念起青春时的黄金年代。美国梦的后夜就像大/麻眩晕，背后有无数只手掐住想认清时间感的人，她们是女人，也是电影人。总之，我爱电影里那些离心力般的荒唐力感，因为电影与成长的“历史”总会如向心力将我们拖入泥沼。

有点PTA的《房间》X“主题乐园电影”的感觉了，废话连篇的混乱离谱，随心所欲的鸡同鸭讲，奇奇怪怪又可可爱爱，汇成妙不可言的迷离质感。挺意外这么诡异奇葩的电影，能在如此无趣、规整的颁奖季捞到那么多提名。

并非基于年代想象的青春描写（太多同类题材依赖这种过于刻板的怀旧），而是提炼出荷尔蒙的年代故事。同时又是一部彻头彻尾的浪漫喜剧. 如果说小霍夫曼的青春期刻画还比较可以预料的话，Haim 小妹的那种懵懂已过成人未满的性拉锯就非常妙了。

咋说呢，X世代白男导演步入中年之后好像都觉得自己童年那点琐事对所有人来说都应该很重要。《好莱坞往事》至少还拉来一批明星站台，《曼克》也有个替父还愿的名头（虽然显然拍得更差），PTA这部我就不太懂了。节奏差，剧情差，故事和当下缺乏丝毫关联。Why should I care about this shit?