编 者 按: 元月,一同走进Francis Alÿs的世界。 |
1993年,Francis Alÿs开始尝试与他的邻居,墨西哥城的一些广告牌画师(或标牌画师:sign painter/rotulistas)合作制作彩绘画。制作的基准是:可无休止的修改与总结。于是,他委托城中的画师为他原创的,小尺度的图像制作放大的副本。画师们在完成了多个版本之后,他再绘制一个全新的 “原本(摹本)” ,汇总每个广告牌画师个人诠释中某些最重要的元素。第二个 “再创本” 反过来又再次成为可被画师们无限复制的新摹本。 因此原本、副本、摹本、摹本的摹本......开始了一场无休止的演变,换句话说,这更像是一种多次完成的行动绘画或行为表演,其中,无一确定,也无一是最终的定论。后来,这个项目被冠以——“集合论 (Set Theory)” 之名。(选自:Francis Alÿs- Revised and Expanded Edition,Phaidon Press Ltd,2021) (集合论或称为集论,是研究集合[由一堆抽象对象构成的整体]的数学理论,包含集合和元素、关系等最基本数学概念)。
铅 画 + 薄 描 印 纸 再 写 版
摹 写 版 细 节
这一过程从设计之初,即在理论层面显现可持续的无限性。但在现实世界,这一作品终究停驻在公元1997年的某日——这一日便是作品无法售出之日,准确说,是国际艺术品市场不能再吸纳更多摹本的一日,所谓“终止日”。因此,该项目的最终完结,与其说取决于艺术家个人的操作,不如说是艺术市场达到一个峰值(饱和值)而导致的——戛然而止。至此,作品“所有权”的问题浮出水面。毋庸置疑,这些画作在进入国际艺术品流通市场之前,画师们已获项目佣金。因此从既定的社会规则看,被委以艺任的画师对所复制的作品,从下笔之初即无“所有权”,他们投射于作品的劳动成本:体能、技艺、时间等与作品的关系,不过是场虚幻的“空集” 。
但是,该项目最引人注目之处,不仅在于提示我们专注作品的“可复制性”、 “再生产性”。更让我们生成一种笃信,笃信这些画师(劳动者),虽非艺术观念的制造者,至始至终对作品也无“所有权” ,但他们在图像上留下的每一帧笔迹,使得这个系列的每一件版本:拷贝本、描摹本与再写本......都具有了一种有囿于一般性艺术生产的独特的”原创”意味。有意思的是,整个系列在被冠以“集合论”之前,曾一度被取名—— “骗子,骗子的仿品(The Liar, The Copy of Liar)”。几十年后,这批“骗作(仿品)”在艺术拍卖市场,缔造出令人乍舌的价位。细探端倪,无外乎提醒我们追问一个最为贴地的问题:“劳动价值”是否是创造作品审美性的根源?
亚当·斯密在《国富论》中指出: “劳动的确是一切价值的来源”,“生产所需的劳动量是价值最佳的手段”。但是Alÿs的作品,在肯定劳动价值之外,也拨动了另一层关注——“人的处境与劳动之间的关系”。毫无疑问, “集合论”以资本介入的方式,自行纳入商品经济链的一环。但又有悖于一般性商业复制生成的结果(成为人人可负担的商品),这些经由重复劳动而繁殖的“仿品”,非但没有让商业化的艺术品变得垂手可得,也没有令其气质天成的內在,被”以市侩化”见长的商业行规所驯服。可以说,观念生产与商业操作在这里无缝衔接,无形中让我们领略——“仿品”制造者对推动艺术“原创力”生产的重要性。这一点,不仅拓宽了我们对劳动价值创造者的畛域想象(在“集合论”系列中,是人的“合力创造”),某种程度,也衍射了商业机制下可权衡的操作尺度,在观念层面剖析出一个事实——“真作假时假亦真”。
如此一来,当我们亟待进一步考究画面的内容,面向旨归,也就有了更为确切的坐标指引。Alÿs对日常生活中微观轶事的敏感,可谓慧眼别具。画中的人物,不是在琢磨一条链珠、就是在摆弄一根细棒、线绳、领带、水壶等平庸物。人物以寄生家居的平常,出人意料的营造出奇异境況,仿佛成年人在梦中摸咂儿时的游戏。据说这一形式选择,最早的启示,源自艺术家早年留学意大利的经历。在那里,14世纪的祭坛画(predella)——一种放置在祭坛下方的小尺度绘画——引起了艺术家的关注。那些小幅画作,虽然规格有限,但完整的人体构造与景深布局,不仅让叙事得以呈现,更重要,基督的神迹与意象也通过人物体态的精准描绘,在有限的场景里实现了意境的渲染。这一切,得益于非凡的祭坛画画师,比如:文艺复兴早期的安杰利科修士(Fra Angelico),对画面“客观性”的精准掌控。
领会到这一点,Alÿs便在其长达二十多来的图像实践中不断探索,至今未变。具象绘画的“客观性”,虽与现代主义绘画关于自我吸收和自主实践的假设大相径庭,也有悖于纯粹的形式融合,但在Alÿs的意识主导下,我们领略到绘画至少被赋予三层意涵:首先,绘画是客观叙事在图像表面凝结的幻本,与交流与置换有关;其次,画布是艺术家每天与周围环境产生互动的一种介质化的人造物,“一种可转移的内部空间(a portable inner space-Alÿs语)”,若主动向该空间注入人迹,即可探索微观场景(空间)的可参与性;再次,将祭坛画布局与墨西哥广告画绘制法相结合,是为Alÿs的创举,这不仅在技艺层面完成穿越时空的“集合”,更重要,经由广告牌画师——一种惯于用商业性绘画语素工作的社会群体,在“依葫芦画瓢”的过程中,令广告画塑造的“真实的幻影”,与祭坛画诠释的“虚构的逼真”,遥相辉映。绘画行为与社会经济也因此互构了有别于常态的深层关联,原本天地相隔的“神性”与“世俗”性,不期而交。
至于为何诉之于绘画,艺术家给出的解释是:
“ 这是一种最便捷——或许也是唯一的方式——将某些无法言说、无法摄录、无法演绎的场景、情境加以转译。由此进入一种,非借助纸面或画布,不可进入的状态。[…] 当我将影像情节转换成图像时,我尝试制造某种意象,籍以反映情节背后的意图,而非对影像实况的描述,这一功能的显著作用,类似于信札(correspondence)与坠饰 (pendent)。” (选自艺术家英文维基主页:https://en.wikipedia.org/wiki/Francis_Al%C3%BFs)
在这里,Alÿs运用了两个明喻:信札与坠饰,道出对绘画功能的智性界定。英文“correspondence”表示信札、书简或“对应物”,说明事物之间的关联,象征交流性。而垂坠饰物(pendant),在英文语义中引申为一种“悬而未决”的意涵。简言之,绘画是一种可促进交流,却一直保有悬而未决的行动,如此,对其进行“无休止的修改与总结”,逻辑中便是与理念相契的势在必行。这一行动,类似古希伯来人在“羊皮书卷” (palimpsest)上一再复写,各版本相交共织,促发互文批判的“羊皮纸效应”。既有本为他本的摹写与再创提供了上下文,因此摹本与摹本生产者的关系在变得重要的同时,各摹本间的关系也显得愈发弥重,事实与虚构在此聚融,精神与文本由此贯通。
如此,若再次回望那个在不同摹本中被一再复写,却始终以静默姿态,琢磨链珠的人:须臾间对细珠的一瞥,不经意成就了对空间久长的凝视,一切的“待解性”呼之欲出。或许,正由于这种富含创新的“待解”,从意大利文艺复兴的祭坛画,至20世纪90年代墨西哥城由Alÿs指导的路牌彩绘画,一路引领,以至于作为受众的我们,在理解层面,逐步趋近艺术“复制”的客观律规:由“匠师”们完成的艺术,非但没有抹杀自由意志,反倒提示受众有必要对其投入更多的珍视。画师作为独立个体,在描摹中生成的自为判断,确保了自身成为意志追求的主体,一如他们笔下每一位拨弄链珠的人,以小心而恬静的姿态,令链珠上的每一粒细珠(衍射为每一个摹本),集结为既确信又玩味的点滴要件,在微妙的差异品读间,将自由意志集合为人类精神的精彩寓言。
| 影 片 说 明 |
片源来自 Francis Alÿs 个人网站,依据其官网声明,所有资料可无偿下载与分享,「三声」受惠于此,特此致谢!这不仅让我们体会到艺术家的慷慨,且对艺术作品中的“可复制性”,也有了不同以往的语境认知。详情浏览:http://francisalys.com/set-theory/
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