弗里兹伦敦带动了哪些优质展览？

作为与巴塞尔艺术展（Art Basel）和 TEFAF 平起平坐的国际艺博会三巨头之一，弗里兹艺博会将在其“老家”伦敦与这繁忙的一年好好告别——占地22.066万平方英尺、由 A Studio Between 操刀设计的伦敦摄政公园大帐篷将承办这场一年一度的艺术盛会。

2022年，与 COVID 有关的旅行限制大幅减少，而弗里兹也应声重启：2月，弗里兹以洛杉矶专场拉开序幕，随后又在5月举行了十年一次的纽约专场，并于上个月在首尔带来了第一届亚洲版本的艺博会。然而，对许多人来说，最耀眼的弗里兹仍然在其“故乡”：来自全球各地的数百家画廊聚首伦敦，占据会场过道，积极投身横跨全市的活动网络。

距离其20周年纪念日还有一年时间，本届艺博会共涵盖了46个国家的280多家画廊，下属的项目安排也丰富多彩：泰勒·米切尔（Tyler Mitchell）和艾玛·塔尔博特（Emma Talbot）带来了委托作品；名为“因陀罗之网”（Indra’s Net）的特别展区将呈现10场专门演讲；2022年弗里兹艺术家奖（Frieze Artist Award）得主阿巴斯·扎赫迪（Abbas Zahedi）的户外木制装置也将到场。在10月12日至15日的展会期间，还将举办大量的讲座、展览、演讲和场外活动。

夹在纽约的军械库展（Armory Show）和即将举行的首届“艺+巴黎：由巴塞尔艺术展呈献”（Paris+ par Art Basel，别忘了12月在迈阿密海滩举行巴塞尔艺术展的“老传统”）之间，弗里兹及其以历史为重点的姊妹展弗里兹大师展（Frieze Masters）也将与英国近期发生的特殊时刻重合。一个月前，英国新首相走马上任，伊丽莎白二世女王与世长辞——在此情况下，“弗里兹周”有望重启动伦敦的艺术圈，特别是为其不断适应脱欧后现状的艺术市场注入鲜活的动力。

在弗里兹成为日程表上主角的同时，当地的画廊和机构也在为雄心勃勃的项目做准备——这一切不断提醒我们，伦敦依旧是艺术世界之都。

在美国，莎芭拉拉·塞尔弗（Tschabalala Self）已经是一位艺术明星；她在 Pilar Corrias 画廊位于伦敦的两个空间内举办的个展“Home Body”以及她在国王十字大街（King's Cross）的第一个公共雕塑 《Seated》（2022）则征服了大西洋的彼岸。借用美国黑人经验的镜头，这位身处康涅狄格州纽黑文（New Haven）的画家和雕塑家在她缝制的织物和丙烯酸绘画中记录下了人们的日常生活。Pilar Corrias 的展览以塞尔弗标志性的绘画、纸上作品和雕塑为特色，是艺术家在 COVID-19 封锁期间开始的以家庭为主题的作品的延伸。

另一位在全球拥有广泛知名度的美国艺术家丹尼尔·阿尔沙姆（Daniel Arsham）则将他年代模糊、嵌有石英的雕塑作品带到了约克郡雕塑公园（Yorkshire Sculpture Park）这个有着45年历史、占地500英亩的露天机构。阿尔沙姆最初以其受考古学启发的古典人物和当代消费品雕塑而闻名；此后，他的实践也延展到了家具和服装领域。

面对艺术家超越时代的视觉语言，约克郡雕塑公园园长克莱尔·利利（Clare Lilley）说道：“阿尔沙姆引入了模糊性（……）他将时间抛向空中，质疑什么是原创，什么是复制品；什么是高端艺术，什么不是；并提出问题：到底是什么样文物代表了我们现在是谁，曾经是谁，或者将是谁？”

一位英国人带着横跨五十年的调查展回到了伦敦，在弗里兹位于梅费尔（Mayfair）画廊区的展览和活动空间内展出——来自纽约的多媒体艺术家詹姆斯·纳雷斯（James Nares）用绘画、电影和混合媒体创作了一系列作品，以捕捉、释放运动的概念。她与 Kasmin 画廊合作的展览“All I Know”涉及的范围极广，追溯了她从1970年代纽约市中心到现在的创作轨迹。

在过去十年的画作中，纳雷斯充分利用画家的手势，赋予运动以非凡的意义。她的单色蛇形抽象画在水平状态下犹如疯狂的海浪，而在垂直状态下则好似龙卷风或瀑布。

另一位在弗里兹周回归伦敦的艺术家是加布里埃尔·奥罗兹科（Gabriel Orozco）。他在白立方（White Cube）的新展“Diario de Plantas”是这位墨西哥艺术家五年来在伦敦举办的首场展览，带来了他浪漫的水粉画、蛋彩画、水墨和石墨素描，以及以柔和的植物与树叶为主题的版画。

奥罗兹科善于使用日常的、经常被忽视的物体，并将其转化为某种评论，探讨我们与自然的关系。艺术家在 COVID-19 大流行的高峰期开始了这个系列——只需观察他对秋天的色彩以及恬静的几何形叶子所作出充满内省的描绘，便可以很快看出这一点。

威廉·肯特里奇（William Kentridge）在皇家艺术学院（Royal Academy of Arts）的职业生涯回顾展是一次极具雄心的尝试：将这位南非最享誉全球的艺术家之一与英国拥有254年历史的艺术机构放在一起，可谓再恰当不过了。除了他的多通道电影和超过13英尺宽的挂毯之外，这次展览还展出了肯特里奇早年的戏剧作品——这是他后来广为人知的大型炭笔画的灵感来源。

在本次回顾展最早期的作品中，《The Conservationists’ Ball》（1985）是一幅炭笔三联画，描绘了一个华丽、纵情的咖啡馆内部，有些许欧洲的味道；纵观肯特里奇生涯成熟期的作品，他11分钟的电影《Notes Towards a Model Opera》（2015）则呈现了肯特里奇的素描与各类现成的中非关系录像之间的巧妙联结。

驻地伦敦的艺术家 Kristy M Chan 在她最新的作品集“Binge”中深入研究了“过度”（excess） 的概念，并进一步审视我们由此产生的“放纵”。这批作品将在 Simon Lee Gallery 和 The Artist Room 展出。“我倾向于追逐那些激烈的时刻，它们可以给我作画的冲动，”Chan 在谈到探索身体和精神的放纵时说道，“过度放纵感觉上并不健康，而我恰恰想通过绘画来释放这种过度。”

这位出生在香港的艺术家用油画、油画棒和颜料在在亚麻布上不断反复作画，无常的笔触堆叠起精力充沛的构图，大胆的色调也应运而生——其中尤为特别的是她的夜蓝色。

由于画廊空间的不断扩大，艺术市场对大尺寸的作品也愈发着迷，但塞西莉·布朗（Cecily Brown）却在“Studio Pictures”中反其道而行之——这是她与 Thomas Dane Gallery 合作的第三次展览。在创作了引人入胜、诗意混沌的大型绘画之后，这位纽约艺术家回到了较小的画作规模，邀请人们与她的画布进行更亲密的接触。

虽然布朗的灵感大多来源于现代大师（他们中的很多人也在职业生涯的某些时候选择缩小画作的规模），但这次展览的主要主题是布朗自己的工作室。她的画作描绘了密集的、好似液体环境中的人物形象：在2016年的一幅23乘17英寸的无题作品中，布朗呈现了一位穿着泳装的小男孩；今年创作的《Body (after Sickert)》则篇幅更小，仅有13乘17英寸，描绘了一位躺在床上的裸体女性。

与上文类似，在索玛雅·克里奇洛（Somaya Critchlow）目前于 Maximillian William 的个展“Afternoon's Darkness”中，尺寸和对西方艺术经典的致敬也是关键。这位英国艺术家是当今最令人兴奋的年轻具象画家之一，她通过呈现黑人女性形象来探索劳动、裸体和权力，近年来获得了机构和市场的关注。

“Afternoon’s Darkness”中的绘画和素描偏离了克里奇洛通常的小规模创作。这位29岁的艺术家在放大的亚麻布表面上并列呈现性、控制和狂喜的主题，而她的调色板则在场景上蒙上了一层夜色烛光。

Osman Can Yerebakan