隔离封控的人啊，且听返场七十二小时实录

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Forests毫无疑问是那种最适合现场的乐队，只有和乐迷们一块在现场里相互冲撞、合唱歌词才能体会到他们音乐最大的乐趣。这支来自新加坡的emo乐队已经成立快超过七年，让人很难想象那种第一张专辑里拉满的青春情绪竟然仍在他们这张近作中保持，而除此之外在乐器技术和人声表现上还有着持续的进步。

另一个无法避开的讨论点在于他们的歌词。乐队首专的歌词实际上还是一些典型的emo乐队的郁闷自语，但是到了二专便发生了一些神奇的变化，这一切还是因为主唱Darell Laser的个人魅力，如果不玩音乐，我想他一定可以成为一个ins搞笑博主。很不幸的是（笑）他把他那种与生俱来的冷幽默运用在了乐队创作中：

We belong together/Like the sun and stormy weather/We belong together/Like tom and summer from that movie

Did you miss me enough to drink?/Or did you drink enough to miss me?

当这些歌词被情绪化的嘶吼唱出来时，你就能明白为什么他们说自己的歌是sad songs for happy people了。

我一直相信钉鞋/情绪摇滚乐都是那类更适合热带的音乐，因为它们的气质与热带的粘稠与热烈相贴合。而Forests实则算是新加坡这类音乐里最耀眼的一员，这片弹丸之地上还有不少和他们气质相近的乐队，如果你感兴趣，也推荐你听一听《Pick of The Lot》这张合辑。

作为出道来的第十张专辑，乐队以虚拟场所“乌鸦谷Crow Valley”为概念，将创作视角从青春和理想的内心世界延伸到线下日常与线上网络的交汇处，尝试传递出更为复杂和纠缠的集体情绪。无论是鞭挞网络暴力，还是为家暴受害者发声，赵子健的创作视角中既有内心世界细微敏感的显微镜，也有放之四海而皆准的社会广角镜，这是很好的；但另一方面在对议题看法上欠缺洞察力，过度泛滥使用形容性词汇也造成了审美疲劳。唱着“一代人终将老去，但总有人正年轻”的刺猬离我们渐渐远去，而这只迷失在乌鸦谷的刺猬正向我们走来，在刺猬的音乐里我们分享着同一个时代。

关注到SAULT是因为，在2021年他们可以说是英伦放克灵魂乐中杀出的最强黑马，但这张2022年的新专辑却不同以往，再次向听众声明：我们一直都“部分”是一个管弦乐队。

新专辑中去掉了SAULT一贯的新灵魂风格，用福音影响的唱诗班一般的和声和层层叠叠的弦乐演奏，展现了一种宏大而又超脱的新古典主义。在借鉴了欧洲传统古典的同时，有丰富密集的合唱伴奏以及恢弘的管弦乐编曲，又同时注入了他们作品一贯有的黑人音乐创新风格。如果听过SAULT以前的专辑，或者因为上一张《NINE》爱上他们的乐迷（包括我），初听会有种“不好意思你哪位?”的惊愕，甚至会误以为这是哪个科幻片的背景乐专辑，但若深入了解就又会发现，正是SAULT也只有SAULT这样的存在才能令人更深刻明白soul的核心其实是更精神层面的表达。

在几重意义上，这都算得上是一张“新”专辑。首先自然是因为它发行于2022年4月中旬，此外，这张专辑里有一首作品此前从未在中国发行的录音室唱片里出现过，再次就是在基因三重奏之前，没有其他中国艺术家组合演出过这个作品——所以，对大多数国内的古典乐迷来讲，这张专辑提供了一个有可能是听众第一次听到这个作品，或至少也是第一次听到中国音乐家演奏这个作品的机会。但千万别以为这是某个不知名作曲家的偏门作品，这是咱们的“乐圣”贝多芬的《第二交响曲》——的钢琴三重奏版。

这个三重奏作品无疑是特别的，但不仅仅在于这是贝多芬九部交响曲当中，唯一一部被他本人亲自改编成室内乐的作品。毕竟音乐又不是收藏品，不是更稀有就一定意味着更有价值。它的特别之处在于为我们提供了另一个理解贝多芬的方式。在贝多芬的年代（其实在如今也一样），聆听交响曲和室内乐是完全两个不同的场景，交响乐必须在剧院、礼堂等大场地才能演奏，观众和乐队距离较远，近百件乐器同时奏响的时候，某些细节和巧思或许会被澎湃的声音效果所淹没。但在室内乐，这些细节都将无所遁形。室内乐是为了在客厅、沙龙等等场合创作的，演奏者和观众很可能都是朋友或家人，正因为具备这样的亲密感，许多作曲家都会把一些更贴近内心的想法以室内乐的方式表达出来。所以，贝多芬《第二交响曲》的三重奏版不但与交响曲一样“原汁原味”，同时也是一部彻底的、精彩的室内乐作品，充满着贝多芬的个性，极尽室内乐之美。从中我们可以看出许多贝多芬在创作《第二交响曲》时的思考方式，这在聆听交响曲版本的时候却不一定能被发现。

专辑收录的另一个作品是贝多芬的第三号钢琴三重奏。这是贝多芬在维也纳作为新人第一次发表的作品（Op. 1）里的第三首作品。第一、第二号三重奏仍然有模仿海顿和莫扎特的痕迹，然而到了第三首贝多芬的“野心”已经毫无保留，虽然当时的贝多芬只有二十出头，但他在维也纳第一次发表作品的时候已经显示出了古典主义集大成者的姿态，站在了属于那个时代的巅峰，他日后所写的作品，只能由他本人来超越。

室内乐在国外算得上司空见惯，不但各种社交场合经常都会有室内乐节目，普遍观众聆听室内乐的频率也比听大型交响、协奏作品要高，而在国内则刚好相反，观众的缺乏和职业室内乐组合难以在国内环境生存是互为因果的两个因素。因此像基因三重奏（由钢琴家张佳林、小提琴家张精冶、大提琴家宋昭组成）这样十几年来持续活跃在舞台上的室内乐组合真的十分难得。据他们自己说，对贝多芬的理解也始于三重奏组建之初，他们最开始排练的就是贝多芬的作品。可以说是各种因缘际会，也是三位音乐家这么多年来初心不变，我们如今才能有机会听到这精彩的作品和充满真诚的演绎，真的不得不喊一句 Bravo！

如果你对这位香港独立唱作人的印象只停留在小清新的《油尖旺金毛玲》，这张Serrini去年在旺角麦花臣场馆的演唱会现场专辑可以让你一览她这些年来在音乐上的蜕变。编曲的高规格和词曲的悉心雕琢都颇具港乐黄金时代的遗风，而创作主题上跨越当下本地街头的市井日常和“愈夜愈美丽”的暗色世界的鲜活感和想象力，则是在当下内地渐渐沦为统战符号的“港乐”中已难以听到的东西。

开场前两首便以出色的技术和精妙自然的快速细分的节奏奠定了先锋爵士基础融合前卫/迷幻甚至略带IDM电子爵士节奏元素的风格方向。而在相对舒缓易听的第三首《Blaming Mercury》大众向单曲后，第四首制造了些许异域幻境风味的过渡曲令人耳目一新。而出乎意料的是，第五、六首部分段落的节奏和氛围似乎令人联想到早期的Aphex Twin。第七首《Kamishinjo》律动十足的融合funk风味中的keyboard solo和第九首《Wax Hands》东方/日式传统音乐元素的铺垫令人印象深刻，整张专辑融合多种风格元素又丝毫不失整体性。除了极其出彩并占据主导的鼓组之外，萨克斯solo也的确会令人想到六七十年代如Miles Davis、Wayne Shorter等融合爵士乐手的影子。总的来说，西雅图多乐器融合乐队High Pulp的第二张专辑足以令人惊喜。

千万不要觉得刚刚过完18岁生日的redveil是美国嘻哈界的新人。十五岁就出道的他，已经在Soundcloud累积了超百万的关注者，而这对于充满艺术野心的redveil而言似乎根本不重要。在这一次发表的第三辑中，他包揽了所有的创作，制作和发行，用远超大多数同行的的制作完整度向世界宣告他对于自我表达的决心。在专辑创作中，redveil完全不掩饰自己对于更高的艺术感的追求，用哲学色彩般的阅读视角为爵士嘻哈和neo soul这些几乎要被美国主流淡忘的风格重新注入了年轻而令人兴奋的血液。

2022年的世界充满了破碎，争吵和失望。redveil没有像普通的年轻人一样单纯地宣泄对这混沌的一切的愤怒，尽管他完全有权利这么做。他更希望探索自己可以为自己和周围的人能做到的改变和倡议，比如希望周遭的人们“never touching the pain again”，尤其是当外界的那些坏人们“try to f**k with our brains again”。有时候他会显示出父辈一般的紧迫感，推动周围的人“we ain't got the time, we can't ravel in fear”。有时他会直击社会阴暗的底层逻辑，说自己生活的DC首都圈充满fake和greed，而他周遭的人之所以受饥饿所困，全是因为这座权力的大厦不过是一个“classic but fascist regime”。这种反躺平式的的说教和视角在当下的年轻人的言语环境中显得弥足珍贵。就像他在采访中说的，这张专辑的核心，是去学习如何成为那个你其实一直都知道自己能够成为的最好的自己。

我大胆下一个定论：没有一个文艺女青年在听完Spiritualized后不想来一段奔往外太空的爱情。“If you want a universe, I would be a universe for you”这种老土情话，放在任何一个乱世都不会过时。

时隔四年，J Spaceman带着第九张录音室专辑回来。专辑名字叫《Everything Was Beautiful》，上一张专辑名为《And Nothing Hurt》，放在一起正是库尔特·冯内古特的小说《第五屠宰场》中，时空穿越者常说的一句话：“Everything was beautiful and nothing hurt”。

如封面所暗示的，这个专辑就是来治愈你的。当你点开第一首《Always Together With You》，乐队那标志性温柔而大气的编曲一下子就把人拉回1997年那张经典的《Ladies and Gentlemen We Are Floating In Space》。J Spaceman给朋友Iggy Pop庆祝75岁生日的《Let It Bleed (For Iggy)》，用重复而虔敬的喊叫，完美地宣泄了充满诗意的忧郁。个人最喜欢的一首是《The Mainline Song / The Lockdown Song》，完美的人声和唱，层层推进式堆叠，交织出了一场阔别已久的人生历险。

专辑内的七首歌，像被密封在药盒内铝箔锡纸板里的“音药”，每一片药效不一样，你不知道吞下后会被带回人生的哪一段回忆里。

 在Coachella的远距离实时“狂欢”中，《返场七十二小时实录》到来的很是时候。它是熟悉的，是深圳疫情前擦边完成的线下返场，是这片土地上另类音乐爱好者的限时狂欢；它是陌生的，是线下与线上听感与体验的异同，是“另类”属性带来的“小众”与“不被发现”。不可忽视它丰富体量背后的探索意义，与《Phantom Rhythm Remixed》相近又不同，相近在于二者都给出了一份值得聆听的音乐人名录，不同在于二者的场景指向与历史跨度。从杨一穿插到迷走神经完成个体到宏大的横向拓展，从6501与吴吞到民谣/摇滚IZ切片式地展现新疆音乐人的音乐广度，从另外两位同志到小河、张玮玮、郭龙三人组则是民谣不同表达面向的体现。站在“华语乐坛已死”的界标上，这是一封过去的信，也是一部即刻历史，如同最后小河、杨一、老丹三人大即兴一样，和谐互作，亦庄亦谐。

闷饼乐队的新专辑《大众审美》或许是近年来为数不多能和台式流行较量一番的同类型大陆专辑。要不是这几年断断续续地发过一些收录于新专辑的单曲做铺垫，不然乍听之下我会很惊诧：这真是闷饼？

至少不是我印象里的那支和右侧合流同台巡演的乐队了。从最初带有数学气质的独立摇滚风格到如今电气化的“大众审美”，闷饼的变化不可谓不大（不过流行元素是一直存在的），这一点也体现在了乐队的人气上。记得前年有媒体采访闷饼的时候，文章标题便是《不玩数摇就红了？》。

实话有些意外，《大众审美》是一张质量不赖的流行作品，扎实、细腻、流畅，好蹦却也不算俗气，会让人想起椅子和落日飞车。值得注意的是，这张专辑的制作人仍然是伍绍维，许多合成器部分均有后者的参与，几乎可以被视作乐队的第六人。来自肇庆的闷饼出道至今，始终与这位本地的制作人保持合作，在没有外援帮助的情况下完成这样的转变，还挺难能可贵。

要说我对这张专辑有什么想吐槽的地方，那便是：为什么不多写一些中文词呢？

这是年轻的伦敦乐队Honeyglaze发表的首张全长专辑，此前许多歌已作为单曲释出，而他们一直在排练与演出中不断重新编排。据称他们的大部分创作起始于疫情初始的封闭阶段，如乐队主唱兼吉他手Anouska说，“那时的世界在混乱之中，我不知道哪些是有意义的事情，我只想写一些随意和愚蠢的东西”。在跳跃变化的风格间，平均每首歌十几行的歌词像是一次次“即兴”的日常之诗，表达与世界的关系、对才华的自省、正茁壮生长的女性意识，充满简单、“可爱”的哲学思考和柔和的反抗态度。他们在曲风上更偏向多样化的流行风格，但是演奏方式极具后摇滚的意识，清冽冷峻的女声引领意识流般稀疏松弛的器乐声，像是在听众耳边低语诉说他们的感受与态度。