Ocula 聚焦｜探访路易丝·乔瓦内利工作室

艺术家路易丝·乔瓦内利（Louise Giovanelli）。  摄影：William Waterworth。

路易丝·乔瓦内利（Louise Giovanelli）的作品在闪闪发亮的画面上散发着惊奇感。通过剪切各种素材，包括影视片段以及文艺复兴早期绘画的主题，乔瓦内利赋予被忽视的细节以意义。

在她刚在伦敦白立方举办的个展“仿佛，几乎”（As If, Almost，展期：2022 年 7 月 8 日至 9 月 11 日）中，乔瓦内利使用裁剪作为一种方法来探索献身和崇拜的主题。她将玛丽亚·凯莉的腿放大得如同科林斯柱，还有从情景喜剧《荒唐阿姨》中截取的双手紧握杯子的图像，她将其等同于卡拉瓦乔的酒神画像。

摄影：William Waterworth。

我在其白立方个展前采访了这位艺术家，对她有了更深入的了解，比如她如何用各种技法邀人细细品鉴，以及她在法兰克福国立造型艺术学院（Städelschule）的 Amy Sillman 手下学习的经历。

你的画从不同的源图像中提取细节，然后将它们从原语境中剪切下来。什么吸引你去选择那些主题？

它有点算是现成图像的混合物，其中有我在影视和广告中碰到的，以及在日常生活中突然冒出来的东西。

有时我也自己创造图像。例如，这一系列头发画都是基于假发，我控制灯光来创造这些图像。

有时为了得到我想要的图像，全盘控制很重要。其他时候，有些东西会激发我对现成图像的好奇，这就足以刺激我产出一幅画。

我的创作有着强烈的图像导向，图像首先出现，然后才是绘画。而对于一些画家来说，图像是从绘画行为中产生的，而我从一个图像开始，然后一边画一边改变它，但最初的触发是非常重要的。

展览现场：路易丝·乔瓦内利，“仿佛，几乎”（As If, Almost），白立方，伦敦（2022年7月8日至9月11日）。

你会不会时常重访一些主题，直到系列完成，还是说你是更自然地从一件作品过渡到下一件？

只有当有别的东西开始吸引我时，我才会放下一个系列开始新的。绘画是我解决问题的一种方式，也是我发现某个特定图像让我着迷的一种方式，这就是我为什么要进行系列创作。（开始新系列）不是说我厌倦了某些特定图像，只是其他东西可能会进入我的轨道。

摄影：William Waterworth。

你希望观者从这些细节中得到什么？

裁剪手段可能是我最早使用的手段，我认为这是一种使图像错置或剔除语境的方式。裁剪可以调整到我认为图像最重要的部分，所以我想这也是我希望观者做的——观察在某些情况下可能被忽略的部分。

我不希望我的画太像插图，如果在其他艺术作品中发现了这种情况，我就会感到厌烦，或者说它们对我而言有点死气沉沉。我喜欢有点间隙，这样作为观众可以添加一些东西。我试图在作品中加入神秘和模糊的空间。

你如何发展出现在的方法，即用一层层的稀薄颜料来创造光影——这是你在学习期间还是之后形成的？

说起来两者都有。我第一次遇到它是在曼彻斯特开始读本科的时候，一位导师看到我对油画有兴趣，那时我正在从丙烯过渡到油画。

进行这种过渡时，真的应该采用这种分层的技法，因为它与丙烯是如此不同，丙烯是一种液体塑料，而油画是浮在亮油中的颜料，所以它很容易产生光泽和光照的效果。

展览现场：路易丝·乔瓦内利，“仿佛，几乎”（As If, Almost），白立方，伦敦（2022年7月8日至9月11日）。

所以我是那样认识这种技法的，但我立刻沉迷其中并想进一步了解，所以我读了很多书，研究老画。这就是我的发现方式，通过观察已有的画作，弄清楚它们是如何实现的。

我去很多美术馆和博物馆朝圣，看到那些老大师的作品，用我的眼睛去挖掘，看艺术家是如何做到某些事情的。我想很多艺术家的画作都是这样完成的——通过观察前人的作品。

每幅画大概需要多长时间？

很难说，因为我一次要画很多，也因为我做事很慢。很多时候只是在等待油漆变干，所以会在作品之间跳来跳去。准备白立方的这个展览我花了五个月。

展览现场：路易丝·乔瓦内利，“仿佛，几乎”（As If, Almost），白立方，伦敦（2022年7月8日至9月11日）。

你在工作室的一天是怎样的？

在展览之前的三到四个月，我会在工作室从早上 6 点待到晚上 6 点，因为我喜欢早上。

你 2020 年毕业于法兰克福国立造型艺术学院，师从美国画家 Amy Sillman。你在那里的经历如何？

是的，她是我的教授。德国有点不同，如果你想去哪个学校，就直接向教授申请，不像在英国是要向 UCAS 申请。所以我直接向 Amy 申请进入她的班级，结果特别好。

那是非常开阔眼界的经历。整个学校有一套非常独立的方法。教授会几个月不来，然后一来就和学生一起高强度工作，比如持续一个星期，而且没有时间去工作室之类——你只需要在那里听教授的话，按他们说的做。他们是国王，而你几乎是门徒，这与我的本科不同，但我很喜欢。

你会有很大的自由——工作室空间真的很宽敞，而且没有课业、考试或打分体系。我们在英国那些官僚主义的破事儿都不存在。可以只做艺术，参加评论和研讨会，然后就离开学校。没有通过或失败，有的只是一段经历。

展览现场：路易丝·乔瓦内利，“仿佛，几乎”（As If, Almost），白立方，伦敦（2022年7月8日至9月11日）。

你曾提到摄影师 Dirk Braeckman 也启发了你。驾驭物质性和象征性之间的张力是你工作的关键。你总是把绘画作为首选媒介吗？

我想如果我没当画家，我会成为导演或摄影师。这就是为什么我非常喜欢 Dirk 的作品，因为尽管他是摄影师，我却认为他是一个画家，因为他对画面的考虑与画家是完全一样的。他有同样的认知。

摄影：William Waterworth。

几乎可以说他有一个画家的大脑——他考虑到了光的现象，而且他有点操纵表面，让它看起来更像一幅画。我想这在某种意义上与我的创作有联系，因为光是我所做的一切的根本。

Dirk 的作品中也有一种缓慢的感觉，就像塔可夫斯基的电影一样。他们的动作如此缓慢，以至于几乎是在渴求绘画的境况，而这种缓慢和努力观看的概念是我真正着迷的东西。

你即将在白立方举办的展览包括对老大师绘画的引用，这一直是你的关注点，同时还有当代人物，如戴安娜·罗斯和玛丽亚·凯莉。你为什么决定把这些元素放在一起？

有一段时间是出于直觉，我并未真正意识到为什么要这样做，只是在画我想画的东西。但经过更多的反思，我意识我感兴趣的是献身和捕捉当代偶像崇拜的实例。

我们有许多偶像，我认为一切都多少带些宗教色彩。尽管我们许多人现在自称无神论者，但我们仍然以一种精神性的方式行事并崇拜某些人。

摄影：William Waterworth。

在我画玛丽亚·凯莉的作品中，人们是否知道我描绘的对象是谁并不太重要——这就是为什么我放大了她的衣着。更多的是关于流行偶像的概念，可以是任何流行偶像。我又得说一遍，光线在我所有的作品中都非常重要。一个流行歌星的闪亮衣服几乎成为一幅宗教祭坛画。

重复是你作品的关键。你已经提到，它允许你随着时间的推移探索某些主题和细微差别，也吸引观众进入你创造的暧昧叙事。你在白立方展览中如何践行重复？

展览中有一些重复的主题。窗帘是持续至今的系列，所以我想你可以把它称为一个主题，还有几件头发作品。我在这次展览中引入的一个新主题是酒杯。

摄影：William Waterworth。

有几幅画出现了一个高脚杯或手拿着酒杯，这是《荒唐阿姨》的剧照，但另一幅是好莱坞的一部老电影。画面上只是一个女人透过酒杯观看。

我仍然在想我为什么要画它，但我认为它与圣餐有关，或者说与超验有关。我还想到了卡拉瓦乔的酒神画作。

放大的玛丽亚·凯莉在某种意义上是新的作品——该系列的前身画的是衣服，而这些画的重点是腿，几乎像是一些科林斯柱。

很多画都有这种非常夸张的拉伸感。它们有建筑性和纪念碑性。我想这是略有不寻常的地方。这就是我们看待电视和电影的方式——一切都被拉伸。

你接下来要做什么？

我会在纽约待一阵子，有点算是自导自演的驻留。之后我会在另一家代理画廊 GRIMM 做展览，然后可能会在白立方的香港和巴黎空间举办更多展览。—[O]